conejobelga

Miguel A. Cimé: Los epílogos de la infancia

2012-01-23T09:16:00.000-08:00

Uno recuerda suinfancia como el mejor tiempo posible. La cronología es cosa de adultos. Unniño nace para jugar, no para medir intervalos. Juega como si practicara unareligión, con los ídolos que tiene a su alcance. Durante un tiempo prolongado,es ecologista: cree que las luciérnagas dominan el mundo. Al rato se aburre,aprende a construir papalotes: su Dios tiene forma de rombo. Un día decidefabricar cientos de barcos de papel por el puro deleite de irse lejos. Seretira y vuelve a conseguir la felicidad.

A un niño no lesobran malos ratos pero los cataliza con la rabia de ser feliz. Un niño vistopor otro niño es el aparato más ingenioso que existe: nunca terminan deaparecer y desaparecer. La realidad es un acto de magia. El sueño es unaconvención de magos y payasos. Despertarse consiste en nunca abrir los ojos. Onunca darse cuenta que están cerrados. La infancia, el sueño y la realidadtejen una sábana con la que un niño duerme sobre la tierra. Para soñarsalvajemente.

Al niño que juega contierra le dicen que no lo haga. Que se lave las manos, se ponga una camisa yaprenda a comportarse. Error. Quienes no se comportan son los adultos, que hanolvidado su origen y sólo podrán recordarlo en circunstancias difíciles. Alniño, lo difícil se le hace fácil. Vivir, morir, se le hace tan sencillo. Latierra de donde nace, con la que juega, en la que dormirá. El mundo se reduce ajugar con tierra, a querer la tierra como si fuera una madre. Madretierra, túlos traes, tú los miras caer.

El aprendizaje básicode la vida se encuentra en los primeros años. Nunca en los últimos, que son unaregresión a los primeros cuando ya no queda mucho tiempo. Cuando el tiempo seha ido incluso de los relojes. Cuando los adultos se han ido al mundo de losniños. Y cuando los niños ya no están. Son los adultos los que hacen poesíapara buscar a los niños perdidos. Exploran lo ausente. Lloran como siestuvieran locos. Desembocan en un clima de nostalgia tardía. El tiempo cobrasus facturas.

La nostalgia esnuestra segunda oportunidad para ser niños. O al menos así lo entiende MiguelA. Cimé con su exposición Niños delcamino, actualmente exhibida en la sala 2 del MACAY. El aire bucólico yuna espontaneidad naïf se proyectan en los cuadros de este experimentado pintorde la niñez difuminada. La niñez vuelta nube de polvo. Cimé reconstruye unainfancia idílica donde la simplicidad de un aguacero es más disfrutable queDisney Channel. Porque antes, cuando llovía, uno intentaba mojarse a propósito.

El óleo en tonoscálidos y fríos reanima las tradiciones infantiles hoy en desventaja por losmedios digitales. El internet le cortó la cabeza al trompo. La computadora lemutiló un brazo al columpio. El teléfono móvil traicionó a la bicicleta. Y nose trata de acusar. Eso es fácil de comprender y el público maduro —finalmente,los testigos del cambio de civilización— captarán el enigma de estos trabajos.Su derrumbe, su inocencia. Su lenta caída libre.

-ChristianNúñez

[Imágenes: cortesía del MACAY]

Reseña publicada en la columna EL MACAY ENLA CULTURA del Diario de Yucatán [23.01.2012]

Visiones contemporáneas inician el año en el MACAY

2012-01-12T12:45:00.000-08:00

El Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán / MACAY inaugura sus nuevas exposiciones elpróximo viernes 13 de enero a las 8 PM. A continuación, reproducimos sucomunicado.

BOLETÍN DE PRENSA

El MACAY inicia el año con propuestas artísticas de vanguardia y recordandoa grandes representantes de la plástica nacional a través de retratos únicos.

Álvaro Santiago (Oaxaca, 1953) pertenece a una generación detalentosos artistas oaxaqueños, ha explorado, como pocos artistas,prácticamente todas las expresiones de las artes plásticas: la pintura, elmuralismo, el dibujo, el grabado, el arte objeto y la escultura de gran ypequeño formato con los más diversos materiales.

Los entes que plasma Álvaro Santiago son extraídos de su panorama familiar,pero también de la mitología plástica que ha diseñado a lo largo de los años,pues sin duda es poseedor de una iconografía personal, fuera de los estándaresde la llamada “Escuela oaxaqueña de pintura”. El artista aparece también comotestigo omnipresente de sus propios relatos, como si no quisiera perderse ni unminuto de su propia existencia, ni en la realidad ni en su vasto mundoimaginario.

Segunda Quimera danombre a su exposición (salas 6 y 7), formada por 33 obras fechadas entre 2002y 2011. En la obra de Álvaro Santiago se puede apreciar una singularidad: ensus figuras los rostros no tienen rasgos y, sin embargo, resalta su admiracióny pasión por los planos volumétricos y cromáticos.

Palle Seiersen (Dinamarca, 1935) de reconocida trayectoria comoescultor en papel de tendencia geometrista, da una novedosa vuelta de tuerca ensu vasta carrera plástica. Aunque el papel continúa siendo su materia prima, haelegido la bidimensionalidad y, por vez primera, la utilización de unportentoso papel japonés (kinwashi), el cual luce en su entramado una opulentamanifestación de figuras y trazos, cuya riqueza, toda proporción guardada,podemos considerar barroca.

Palle expone 23 obras bajo el título: Testimonios y Despliegues (sala 1).El artista, quien en 1984 se nacionaliza mexicano, ha sido ganador de la BecaFullbright. En 2011 es admitido al Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Hugo Arquímedes (México, DF.) presenta Suma Escultórica (PasajeRevolución), integrada por 13 piezas realizadas en metal y terminadas conpátina de óxido y con pintura de esmalte acrílico. Los formatos son diversos,la selección incluye obras desde los tres metros hasta los 41 cm. de altura, loque incita al observador a jugar con las perspectivas y recrearse con nuevas ydistintas facetas de cada volumen.

Las esculturas de Hugo Arquímedes son formas esbeltas, que celebran eldinamismo espacial, no sólo por sunaturaleza aerodinámica sino por su prodigiosa manera de evocar lo luminoso delaire.

Arno Avilés (México, DF., 1971) exhibe una muestra que representa subúsqueda e interacción con las artes plásticas en un periodo de aproximadamente10 años de trabajo. Su obra puede entenderse como un arte clásico, en cuanto aque toma como punto de partida la reflexión y el uso de formas simples, conplanteamientos básicos del arte de cualquier época, el círculo, la línea recta,la espiral, la columna.

Vibraciones minerales (salas 11 y 11 bis) es un registro de la exploración de su lenguajeescultórico: la abstracción, lo orgánico y lo figurativo en una cuidadosaselección de 17 esculturas de talla directa en piedra, que supone un reto en sípor su rigor y exigencias.

Miguel A. Cimé (Conkal, Yuc., 1964) en la muestra Niños del camino (sala2), sin afán de rescate de la tradición ni búsquedas complejas, parece correruna cortina hacia el universo de los niños, los juegos de canicas y de manosenlazadas para formar la rueda, los instantes con dueño en cada microscópicoéxito en el juego y en la vida.

El artista estudió dos años con el muralista campechano Sergio Cuevas ycuatro años en la Escuela de Bellas Artes de Yucatán. Cuenta con 85exposiciones colectivas en Yucatán, Cozumel, Campeche, Veracruz, Tabasco,Puebla y Ciudad de México; además de una decena de exposiciones individuales.

Por otra parte, a través de los retratos de 22 mujeres, tres artistas –Christian Rasmussen (1943, Dinamarca), Gabriel Ramírez (Yucatán, 1938) y Elena Martínez– se unen para abordar eltema de la prostitución con la muestra: Las mujeres decentes de la 58. ¡Por nuestroshijos! (salas 4 y 5).

Las mujeres hablan en entrevista con el antropólogo y fotógrafo ChristianRasmussen de su trabajo y de cómo y por qué han decidido practicarlo. Lasentrevistas están acompañadas por dibujos de Gabriel Ramírez y bordados deElena Martínez, quien ha hecho un interesante trabajo con tintes orgánicos ytallado en madera a lo largo de su vida.

Gabriel Marní (Mérida, Yuc., 1966) asimila la naturaleza humana en sucorporeidad más intima a través de la exposición: Carne Humana (sala 8bis), 29 acrílicos sobre papel. Por medio de una técnica que nos recuerda alRakú japonés, donde el ente “arte” se quema en diferentes momentos, para luego,de un solo golpe fragmentar los óxidos con un baño de agua helada que le da laansiada textura a sus trabajos.

Marní se ha especializado en pintura, dibujo, gráfica, fotografía ymuseografía. Desde 1987 ha expuesto de forma conjunta en más de 50 muestras yde manera individual cuenta con casi una decena.

Asimismo, el MACAY presenta a uno de los máximo exponente del retratofotográfico en México: Rogelio Cuéllar (Ciudad de México, 1950), quien con más de 40 años dedicado a la fotografía hahecho retratos considerados clásicos de las más importantes figuras de lamúsica, la danza, la literatura, el cine, la poesía y el teatro de nuestropaís. El rostro de la plástica 1974-2011 es el título que articulalas 100 fotografías (blanco y negro) montadas en las salas 9 y 10 del museo.

medios@macay.org

mediosmacay@gmail.com

www.macay.org

[Foto: LeonoraCarrington, Rogelio Cuéllar]

Lucian Freud: Humano, demasiado humano

2012-01-09T12:46:00.000-08:00

El aspecto animal

Lucian Freud fallece el 20 de julio de2011 en Londres. De orientación figurativa, el nieto de Sigmund Freud estudiael cuerpo humano con intención de mostrar criaturas en crudo. El deterioro delas pieles amarillas, los cueros cabelludos grasos, la desnudez sucia ycotidiana de las entrepiernas son los rasgos inmediatos de un erotismo querechaza su idealización y enseña la fragilidad humana.

A sus primeros trabajos los domina eltema de la zoología; se inspiran en una cebra, una garza, un caballo primitivo.Pero a riesgo de ser catalogado un surrealista, Freud pronto se concentra en elretrato y el desnudo. Ahí encuentra «la esperanza, la memoria, la sensualidad yel compromiso» que caracterizarán su evolución estilística. Estrecha amistadcon Francis Bacon, hace un retrato de su cabeza y, en general, plasma característicasfísicas no convencionales: sobrepeso, calvicie, senos grandes, genitales lánguidos.Con y sin ropa, retrata a sus hijas, al performancero Leigh Bowery, a suayudante de estudio, a la reina Isabel.

«Me interesan mucho las personas en suaspecto animal –señala. A eso se debe parte de mi afición a trabajar con ellosdesnudos. Pero puedo ver más. También resulta emocionante ver cómo se repitenlas formas a través del cuerpo y a menudo del rostro también. Me gusta que laspersonas parezcan tan naturales y físicamente tan sueltas como animales, comomi galgo inglés Pluto.»

Tanto el abuelo como el nieto de lafamilia Freud son buenos analistas de la psique y la anatomía. Llegan al fondoen sus investigaciones, tienen espíritu científico. «Para mí, pintar a la gentedesnuda, sean o no amantes, hijas o amigas, no supone nunca una situaciónerótica –dice Lucian. El modelo y yo nos dedicamos a hacer un cuadro y no elamor. A las personas que no son pintores les cuesta entender estas cosas.»

El aspecto humano

En el transcurso de nuestro análisis,se realizó un sondeo para descubrir las reacciones ante la obra de LucianFreud. Tres personas observaron un libro de Taschen con el texto crítico deSebastian Smee. La portada es el famoso Dobleretrato de Susanna, la hija de Freud, con Joshua, el galgo.

El primer sujeto es mercadólogo; elsegundo, administrador de empresas. El mercadólogo reconoce que estas pinturasrompen con el estereotipo publicitario de belleza. «No muestran los cuerposfuertes, sino personas vulnerables.» Al administrador le parecen grotescos, deentrada, y prefiere no seguir hablando del tema. «Parece gente enferma.» Cierrael libro.

Un contador público que ha visto morira los suyos hojea el mismo volumen. Pero los ojos del tercer sujeto enrojecen. «Cuandoencuentras cosas que te conmueven, disminuye el deseo de saber más al respecto.Es como cuando te enamoras de alguien, no quieres conocer a sus padres»,explica Freud con el sentido común de un sepulturero. No hay conclusión.

-Christian Núñez

Reseña publicadaen la columna EL MACAY EN LA CULTURA del Diario de Yucatán [09.01.2012]

Las lecciones de Joseph Beuys

2012-01-03T14:07:00.000-08:00

Coyotede fieltro

En1974, Joseph Beuys realiza en Nueva York la acción I like America and America likes me como una crítica hacia elconcepto de libertad en EEUU, denunciando el choque racial entre americanos eindios nativos y la guerra de Vietnam. Durante tres días permanece envuelto enfieltro, hojea un periódico y consigue la amistad de un coyote; por último, loabraza en señal de convivencia. Beuys ejecuta acciones simbólicas de largoalcance, rompe la esfera masónica del arte, llevándolo fuera de la éliteintelectual hacia zonas de incertidumbre o inestabilidad social, según susintereses antropológicos, políticos, educativos y sociales. Si la sociedadenferma al hombre, oponiéndolo a su propia naturaleza, simpatizar con un perrosalvaje es una reconciliación entre la cultura y el instinto. Así, aislarse delas personas y volver a los coyotes, explorar en uno mismo y compartir elfenómeno a través de un lenguaje metafórico permite ver la práctica artísticacomo una herramienta de exploración humana.

Enel 2003, bajo distintas circunstancias, el cineasta Lars von Trier lanza durascríticas a Norteamérica en la cinta Dogville, y demuestra que el racismo y elresentimiento social son asuntos de hondas raíces migratorias en la llamada «tierra de oportunidades». Grace, la heroína de su fábulamoral,acaba por matar a sus protectores. Von Trier llegará más lejos y en sentidocontrario al de Beuys al sugerir que los hombres son moralmente inferiores alos perros y, lamentablemente, ni siquiera el instinto los redime. En Antichrist le hará decir a CharlotteGainsbourg, su protagónico femenino, que «la naturaleza es laiglesia de Satanás». Dos artistas políticos, dos enfoques radicales. Lo cierto es que Beuys en 1965 ya ofrecía enseñanzaspictóricas a una liebre muerta, con el rostro embadurnado de miel y polvo deoro, confiando en nuestra condición de animales sofisticados pero, al mismotiempo, limitados por crisis históricas. Si alguien sabía de conflictos, era él,que había piloteado en la Segunda Guerra Mundial y a punto de morir porcongelamiento fue rescatado por nativos, envuelto en grasa y fieltro, y humildementeresucitado.

Homohomini lupus

Beuys,de origen alemán, afirma que todo hombre es un artista y funda con HeinrichBöll la Universidad Libre Internacional, sin sede, en plena identificación delarte con la vida. Lo explica con estas palabras: «En un momento determinado de su biografía, cada uno ha deconvertirse en un especialista en el mundo de la división del trabajo. Entoncesuno se decide a estudiar física, otro estudiará pintura, el tercero seráenfermero, etc. Pero antes de tomar tal decisión hacia la especialización, laspersonas deben haberse desarrollado en este concepto del arte total, es decir,en la idea de que a partir de las capacidades humanas del pensamiento, elsentimiento y la voluntad puede crearse una persona que a su vez puededeterminar algo; esta persona hay que crearla. ¿Y ahora? ¿Qué va a pasar ahora?¿Qué idea tenéis vosotros de lo que va a pasar?». El 19 de mayo de 2011, elpolémico von Trier es expulsado del Festival de Cannes por sus declaracionesfilonazis en la presentación de Melancholia, su último filme. «Entiendoa Hitler», comentó el danés, y los franceses lo castigaron –igual que él, en sumomento, había juzgado violentamente a los norteamericanos.

Las lecciones de Joseph Beuysenseñan que arte y política son inseparables figuras caprichosas en el dominóde la economía internacional. Emir Kusturica, otro de los invitados a Cannes en2011 como jurado de la sección Una cierta mirada, recibió acusaciones de losrealizadores bosnios Jasmila Zbanic y Haris Pasovic por filmar sus cintas conpresupuesto del presidente Slobodan Milosevic, acusado de crímenes de guerra,contra la humanidad y genocidio en los conflictos bélicos de Yugoslavia. Anteun panorama demasiado turbio en el terreno artístico, donde cada paso estámedido en función de lo que uno dice, piensa o defiende, con o sin razón, cabehacerse la pregunta de si todavía es posible abrazar a los coyotes en nuestraenvoltura de fieltro y cruzar las trincheras con el rostro ungido de miel y oro.En un esfuerzo por resolver las interrogantes de esta índole, Beuys funda en1971 la Organización para la Democracia por Referéndum. Porque en síntesis,cada hombre es un artista político cuyas obras/acciones son motivo de censura oaprobación pública. O, como diría Sartre: «El infierno son los otros».

-Christian Núñez

Reseña publicada enla columna EL MACAY EN LA CULTURA del Diario de Yucatán [03.01.2012]

Ernesto Walker, breve y significativo viaje abstracto

2011-12-26T09:00:00.000-08:00

Diamantesnegros mexicanos

ErnestoWalker obtuvo el primer lugar en el Saatchi Drawing Showdown 2011 convocado poresta reconocida galería londinense con la pieza Black Diamonds, una serie de 12 dibujos a tinta de 55 x 75 cm que graficanmediante diseños geométricos varios tiroteos ocurridos en diferentes estados dela República Mexicana durante los meses del 2010. Por cada mes, Walker traducea una imagen abstracta los impactos de bala de los enfrentamientos armados. Elconcepto de los diamantes representa este momento de crisis como un procesosocial capaz de generar experiencias de valor para la maduración de laciudadanía, evitando la crudeza de la imaginería habitual. Una visióninteligente y sofisticada sobre el caos y la violencia del país. Como gesto derespeto, se omiten las imágenes ilustrativas de los cadáveres.

Lapropuesta de Walker une intereses sociológicos y geométricos al oficio deartesano joyero aprendido años atrás. Combina ambos conocimientos –uno deefectos prácticos, decorativos, preciosistas; el otro de carácter analítico, interpretativoy circunstancial– aplicando la interdisciplina al problema del narcotráfico ylos números fríos. Ese giro de tuerca de la sangre a las estadísticas y de labelleza al matadero dejará pensando a más de uno. Entre sus influencias, elautor señala el papel referencial del escultor estadounidense Alexander Calder,de quien incluso hizo “fusiles” en sus primeros diseños. Del fusil al fusil,Walker caminó hacia Calder para obtener diamantes negros. “Es la idea la que tedicta el medio en el que vas a trabajar”, dice. “Y ya después empiezas tú adescubrir cositas.”

Elarte de la desaparición del arte

Enla página web de Ernesto Walker –www.ernestowalker.com–hallamos pequeñas joyas.

Ctrl + Z es unejercicio con el que ilustra cómo borrar tres dibujos originales e inéditos alápiz por medio de gomas, cuyas virutas se guardan en tres elegantes frasquitos,para “plantear la aparente eliminación de la imagen como una forma detrascendencia y de evolución de la obra, antes que de su desaparición.” No haymucho que explicar porque la idea está clarísima. Tanto, que el arte hadesaparecido ya. Preservamos su ilusión, su proceso, su evaporización limpia ycristalina.

Proyecto de estudio sobre métodosalternativos de lectura y la traducción visual de textos literarios consiste en el trazo defiguras geométricas sobre los versos del poemario Nocturnos y nostalgias, del escritor mexicano Xavier Villaturrutia.“Y mi voz que madura / y mi voz quemadura / y mi bosque madura / y mi voz quemadura / como el hielo de vidrio / como el grito de hielo / aquí en el caracol dela oreja.” Y no hay nada que explicar, porque la poesía lo canta en sulenguaje.

Ensayo sobre la intimidad de tres notasde remisiónforma un incidental tríptico amoroso unido por el dibujo a tinta de una entidadabstracta sobre estos documentos fiscales de la famosa tienda de telasParisina. Y no debemos decir gran cosa, porque el amor se rompe frágilmente.Como el papel del que está hecho.

-ChristianNúñez

Reseñapublicada en la columna EL MACAY EN LA CULTURA del Diario de Yucatán [26.12.2011]

Maggie Taylor: Surrealismo Adobe

2011-12-12T10:50:00.000-08:00

Welcome, freaks

Maggie Taylor y sus «mundos oníricos habitados por objetos de usocotidiano» extienden la vigencia del surrealismo en la ilustración digital. Siel inconsciente está estructurado como un lenguaje, según Lacan, Taylor se harodeado de arquetipos infalibles para darle sustancia a su discurso –desde laAlicia de Lewis Carroll hasta los peces de Magritte, recorriendo los ambientesbucólicos de Remedios Varo, la pulcritud artesanal de Max Ernst y lasubterránea consistencia de lo absurdo en los ambientes rurales de laNorteamérica decimonónica. Fascinante genealogía fundada con apariciones deconejos, huesos de pájaros a lo JanSvankmajer, señoras solemnes que deambulan con cisnes en los jardines y hombresenterrados a mitad del campo nebuloso. Las dislocaciones de sentido cultivanmetáforas graciosas, dotadas de misterio y anacronismo lúdico, de tal suerteque éstas bien podrían ser las amables pesadillas de Amélie Poulain. Nadaoscuro hallaremos al otro lado del espejo, y si acaso la contemplación de lospaisajes agita el mecanismo de la nostalgia, bastará sintonizar una viejaestación radiofónica en la que suene un organillo para mantener las pequeñaslágrimas en suspenso.

El surrealismo deja en suspenso las definiciones, pero la libertad quepredicaba difícilmente era gratuita. Nuestro inconsciente funciona con reglas ybastará una revisión a sus precursores para saber que el delirio y la técnicaejecutaban un emotivo vals en las pinturas más célebres del movimiento. Giorgiode Chirico tenía dotes de urbanista y sus plazas desiertas con leones yesculturas híbridas dejaron lecciones valiosas a los videntes del futuro. Lacanen su explicación del nudo borromeo dice que el sujeto está constituidosólidamente por los registros de lo real, lo imaginario y lo simbólico. En eltercer círculo se ubica el lenguaje, a través del cual se genera el pensamientoy la identificación del yo con la cultura. Lo real no puede conocerse. Lo realse transita pero jamás lo aprehendemos, es «lo queno cesa de no escribirse».Nuestro pensamiento se construye mediante representaciones de lo real a travésde lo simbólico y las imágenes/conceptos como una cámara fotográfica. Losimbólico abre puertas, entra en contacto con el deseo y su inmediatez. De talmodo que cuando miramos un pez, podemos recordar a nuestra madre y remitirnos ala famosa frase de William Faulkner en Mientrasagonizo. El surrealismo es una disección espiritual.

La obra de Maggie Taylor acelera la eficacia poética de las neuronas.Sus paisajes funcionan como vendas en una operación a corazón abierto ypárpados cerrados. Magia y misterio practican un sabbath con texturas vintagedonde lo femenino se manifiesta en la paleta de colores, las escenografías, lospersonajes y los incomprensibles entornos. En la página web de la ilustradora –www.maggietaylor.com– su trabajo se divide en 5 series –Ladies, Gentlemen, Boys & Girls,This & That y Almost Alice– y 4 libros de impecablediseño editorial. Sin embargo, se echa de menos la perspectiva más arriesgadadel surrealismo. La de Buñuel y Dalí imaginando sacerdotes arrastrados por pianos;la de Bataille haciendo apología de los huevos y los ojos en sus novelaseróticas; la de Lautréamont en las orillas del crimen y la locura; la de Artaudy su exaltación de la crueldad. El suyo es un surrealismo enlatadito como laSopa Campbell, muy digerible en términos comerciales y creativos. Ideal parafreaks que no lo parecen. Comentario al margen: su marido, el fotógrafonorteamericano Jerry N. Uelsmann, también hace incursiones en el inconscientesin recurrir a la paleta de colores. El reino del blanco y negro le sientamejor.

-ChristianNúñez

Reseña publicada en la columna EL MACAY EN LACULTURA del Diario de Yucatán [12.12.2011]